摄影需要选什么科，摄影专业应该选择什么学科？

摄影需要掌握基础光学原理

为什么同样的场景,有人拍得通透，有人却灰蒙蒙？关键在于对光线的理解，就像煮饭要控制火候，摄影本质是"烹制光线"，比如逆光拍摄时，新手常遇到主体发黑的问题，这时需要明白"光比"概念——通过反光板或HDR模式平衡明暗，曾有学员在傍晚拍人像，固执地用自动模式导致脸部欠曝，直到手动增加两档曝光补偿才得到理想效果。

构图决定作品的呼吸感

把画面塞满就是好照片吗？去年西湖边一位大叔用手机拍的荷花获得点赞过万，秘密在于留白，三分法不是铁律但确是捷径，就像炒菜放盐，初学者按标准量更保险，建议尝试"减法构图"：拍摄老街时，我让学生先拍全景，再走近只拍半扇木门上的斑驳，效果反而更具张力，观众的眼睛需要"喘息空间"。

设备选择要匹配创作需求

全画幅一定比半画幅好吗？这就像问炒锅能不能煮汤，拍体育赛事需要长焦大炮，但街头摄影可能只需巴掌大的卡片机，见过用200mm镜头拍美食的案例吗？虚化过度反而失去食物质感，建议新手从"一机一镜"开始，我用24mm定焦拍三年，反而练就了"用脚变焦"的本事，关键要像了解老朋友那样熟悉你的器材。

后期处理是二次创作

直出党与修图派谁更高级？这问题类似争论食材要不要调味，去年帮企业拍产品，原图灰暗的金属件经过局部提亮后，立刻有了广告质感，但过度修图就像浓妆艳抹，某次看到把晚霞调成荧光粉的案例，自然的光影层次全毁了，建议掌握"三原色原理"，用曲线工具微调比直接套滤镜更精准，后期是还原肉眼所见，而非创造幻觉。

审美积累决定作品上限

为什么老法师们总说"多看画册"？这就像味蕾需要美食来训练，有次带学员模仿布列松的构图，他们突然发现电线杆的影子也能成为视觉语言，建议建立"视觉银行"：每天存10张打动你的照片，分析其中色彩搭配或情绪传递，我书架上常备的是马克·吕布的影集，那些看似随意的街头瞬间，藏着几十年功力的取舍判断。